Richard Wagner (1813-1883) et Felix Mendelssohn (1809-1847) sont interprétés par l’Orchestre de la Suisse Romande sous la direction de Pablo Heras-Casado. Alexei Volodin est le soliste du Concerto pour piano n° 1 de Franz Liszt (1811-1886). Certains programmes racontent une histoire. C’est le cas de celui de cette soirée, qui relie Wagner à Mendelssohn, peut-être involontairement étant donné le profond antisémitisme du premier. Les deux compositeurs ont en effet utilisé les sept mêmes accords mystiques de l’« Amen de Dresde », chanté lors des offices religieux en Saxe aussi bien par les protestants que par les catholiques. Mendelssohn les intègre ingénieusement dans le premier mouvement de sa Symphonie « Réformation », composée pour le tricentenaire de la Confession d’Augsbourg. Wagner, lui, en fait le leitmotiv du Saint-Graal dans son dernier opéra, Parsifal, dès le magnifique Prélude. L’Enchantement du Vendredi saint est également au programme. Quant à Liszt, il était un ami intime des deux compositeurs. Son Concerto pour piano n° 1 en mi bémol majeur, S. 124 fait le bonheur des virtuoses depuis sa création en 1855. Son thème initial martial captive d’emblée, et les débuts du triangle dans l’orchestre ne passent pas inaperçus !
La genèse du Concerto pour piano n° 1 en mi bémol majeur de Liszt remonte à 1830, année où le compositeur en esquissa le thème principal dans un carnet. Ce n’est toutefois que dans les années 1840 que Liszt commença véritablement à travailler sur le concerto. Novice dans l’art de l’orchestration, puisque sa production se composait jusque-là presque entièrement de musique pour clavier, Liszt fit appel à son élève Joachim Raff pour donner à l’œuvre son habit instrumental. Il acheva le concerto en 1849, mais y apporta de nombreuses révisions au cours des années suivantes. La version définitive date de 1856. Cette version du Premier Concerto est si connue qu’il faut prendre un moment de recul pour mesurer à quel point l’œuvre est véritablement originale. Plusieurs éléments en font l’étendard de nouvelles façons de penser : les échanges de matériau musical entre les quatre sections concises de son unique mouvement, qui gardent encore des liens résiduels avec la structure symphonique traditionnelle en quatre mouvements ; l’intégration solide des cadences, toutes très brèves, au cœur même de la substance musicale ; la souplesse de ses modulations, permise principalement par la forme de la phrase orchestrale initiale ; l’écriture orchestrale, avec les interventions remarquées des trombones et du triangle ; l’emploi des timbales pour renforcer le rythme initial, même lorsque la ligne mélodique n’est pas exposée ; les dialogues subtils entre le piano et la clarinette ou le violon. Mendelssohn composa sa Symphonie n° 5 en ré majeur « Réformation », op. 107, pour le tricentenaire de la Confession protestante d’Augsbourg. Moins connue peut-être que ses troisième et quatrième symphonies, elle présente bien des attraits. Elle intéressera ceux qui s’intéressent à la redécouverte du passé musical menée par Mendelssohn, à son remarquable parcours religieux ou, plus largement, à la rencontre entre le christianisme et le romantisme musical. En décembre 1831, la Symphonie « Réformation » devait être jouée à Paris par l’Orchestre du Conservatoire. Les musiciens refusèrent cependant de la jouer, jugeant qu’elle contenait trop de contrepoint et manquait de mélodie. L’œuvre fut finalement créée à Berlin en 1832, mais ne fut publiée qu’en 1868. Mendelssohn n’était pas fier de cette pièce, qu’il qualifia de « gros animal hérissé » et de « totale absurdité ». La symphonie semble suggérer un programme décrivant l’avènement du protestantisme en Allemagne. Le finale repose sur le choral de Martin Luther Ein feste Burg ist unser Gott (« C’est un rempart que notre Dieu »). Il fait de nouveau référence à l’« Amen de Dresde », qui devient ainsi l’élément unificateur de toute l’œuvre.
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