Le cycle Johannes Brahms (1833-1897) que Christian Thielemann a mené à la tête de l’Orchestre philharmonique de Vienne a offert des moments musicaux extraordinaires. Il a aussi donné lieu à une collaboration artistique féconde : le chef et le pianiste Igor Levit semblent être « parfaitement dans leur élément » lorsqu’ils se produisent ensemble. Dans le Concerto pour piano n° 1 en ré mineur, op. 15, Levit « joue de manière brillante, entre expressivité et délicatesse, captive par les touches les plus subtiles et les plus cristallines… et communique merveilleusement avec l’orchestre ». La seconde œuvre du programme est la Symphonie n° 2 en ré majeur, op. 73, « tantôt d’un dramatisme monumental comme un finale du Crépuscule des dieux, tantôt délicate comme un menuet de Haydn ». La critique internationale a souligné que Thielemann et l’orchestre avaient façonné les deux pièces comme si elles « avaient été coulées d’un seul moule à la mesure de leurs dimensions gigantesques, tandis que chaque détail était poli avec soin, comme en horlogerie artisanale. On peut difficilement obtenir davantage dans une salle de concert ».
Brahms avait vingt ans lorsqu’il fit la connaissance de Robert Schumann en 1853, grâce à une lettre de recommandation de leur ami commun, le célèbre violoniste Joseph Joachim. Schumann couvrit d’éloges sans réserve la musique que Brahms lui montra. C’est cela, plus que toute autre chose, qui donna au jeune compositeur le courage d’entreprendre l’année suivante une symphonie de grande envergure. Cette audace finit pourtant par faiblir. Brahms se jugeait trop inexpérimenté et se sentait trop intimidé par les « pas d’un géant » (Beethoven) pour mener à bien un travail symphonique. Il réorganisa donc le matériau qu’il avait composé pour en faire une sonate pour deux pianos. Vers 1858, cette sonate allait renaître à son tour sous la forme du Concerto pour piano n° 1 en ré mineur, op. 15. Le concerto tel qu’on le connaît aujourd’hui est une refonte complète des idées et des thèmes de la sonate originale, mais une grande partie de la partition est entièrement nouvelle. La création de l’œuvre en janvier 1859 ne fut pas l’échec que l’on décrit parfois. En revanche, l’accueil glacial réservé à une exécution ultérieure à Leipzig laissa à Brahms un goût amer qu’il n’oublia jamais : Leipzig resta pour lui une place hostile jusqu’à la fin de sa vie. Brahms composa ensuite la Symphonie n° 2 en ré majeur au cours de l’été 1877, moins d’un an après la création de sa Symphonie n° 1. Désormais sûr de ses capacités de symphoniste et moins écrasé par l’ombre immense de Beethoven, il écrivit une œuvre beaucoup plus spontanée, bien accueillie par la critique comme par le public. Comparée aux compositions de ses contemporains, cette pièce est conservatrice tant par son orchestration que par sa structure formelle, mais elle n’a rien de réactionnaire. Brahms révisa et élargit plutôt le modèle du XVIIIe siècle. Il remplaça en grande partie le contraste thématique par la transformation et la variation, et y ajouta la richesse harmonique et rythmique qui le caractérise. Unité et variété coexistent dans cette symphonie. Brahms parvient à réunir le lumineux et le sombre, le lyrique et l’énergique, l’extraverti et l’introspectif. L’œuvre grandit en même temps de manière organique à partir du « germe » de ses trois premières notes (ré, do dièse, ré), énoncées par les violoncelles et les contrebasses. L’oreille perçoit instinctivement cette économie d’écriture, qui rend l’œuvre entière intelligible sans rien sacrifier de son intérêt ni de sa spontanéité. L’orchestration de Brahms est pleine, riche et souvent ingénieuse. Le compositeur choisit de faire de l’ensemble une seule voix unifiée et déploie toute la palette de ses couleurs instrumentales. On n’a pourtant jamais le sentiment qu’il abuse de l’orchestre. Il crée au contraire une texture en perpétuel mouvement, qui déplace l’attention de l’auditeur et fait ressortir les timbres individuels avec un effet saisissant.
Images du programme
